Лихолетие 90-х

В начале 2000-х Дмитрий Шалин, преподаватель  социологии университета в Лас-Вегасе, организовал серию ежегодных фестивалей, посвященных (пост-) советской культуре. Состав участников-  выходцы из всех уголков страны. Teма миллениума-  " Холодная война -горячая культура".

Все началось в 1996 году, когда Дмитрий  и его друг Юрий Нейман сидели в студио-Сити, вспоминая об американской национальной выставке в Москве 1959 года, произведшей культурный шок. Одним из долгосрочных последствий шока стало то, что в Комсомьске -на-Амуре они пили только Jack Daniels, а не тормозную жидкость. И вот через 40 лет Дмитрий организует свою выставку.

Идея была хорошая:

- сочетание выставку с ретроспективой неофициального русского искусства;

--создание фестиваль современной русской поэзии и музыки;

--вывод некоторых артистов  на инсталляцию шоу;

--организация конференции на тему "Америка в русском искусстве. Россия в американском искусстве";

--объединение всех интересных русскоязычных  людей.

Каково значение феномена неофициального искусства? В России 1970-х оно имело форму так называемого "соц-арта". В 1972 году советские неофициальные художники слышали что-то о поп-арте, но очень смутно. После того как они закончили серию работ, Вадик Паперный, один из этих художников,  сказал: "это чистый поп-арт, парнию. Советский поп-арт". Так родился соц-арт.  Сегодня этот неологизм использует художник Меламид.

"Соц-арт " родился из необходимости примирить удручающую советскую реальность с потоком информации, просачивающейся сквозь щели в " железном занавесе". Художник Семен Файбисович говорил о "душераздирающей смеси ненависти, жалости и восторга", которая была в нем. Он смотрел на эту "реальность", как кролик смотрит на удава, пока однажды удав не упал замертво. Его полотна являются фотореалистичным документом, регистрирующим этот напряженный взгляд. Виталий Комар и Меламид пришли сюда с другого ракурса.

"Соц-арт не имеет ничего общего с иронией или конфронтацией", - сказал как-то  Меламид. "Мы только выглянули в окно и увидели портрет Ленина. Это был наш пейзаж, и мы его рисовали. Это был здравый смысл. Мы хотели воссоздать сон, воссоздать великое искусство, но это наше детство”.

Советская действительность была такова, что повсеместно ненавидела творческо-интеллектуальную элиту и использовала множество способов борьбы с ней. В 70-х выставки проходили  в Москве на частных квартирах. Фибисович говорит, что гуру от критики относились к нему  как к "неправильному" художнику, "плохому" гиперреалисту и "ужасному" соц-артисту.

Джек Maси, директор по дизайну американской национальной выставке в Москве 1959 года, приехал на фестиваль с кучей цветных слайдов, чтобы рассказать, как они  пытались донести до советских людей “прелести” капитализма. Капитализм был представлен  стиральными машинками, сушилками, холодильниками, автомобилями, телевизорами и абстрактными картинами Джексона Поллока. Как-то между 1950-ми и 1980-ми абстрактная живопись стала загружаться политико-военной значимостью. “Так мы узнали о роли ЦРУ в культурной холодной войне - ЦРУ потратило миллионы долларов на продвижение американского абстрактного экспрессионизма как оружия в холодной войне” –говорит Дмитрий Шалин.

Джон Боулт, который преподает русское искусство и культуру в университете Южной Калифорнии, рассказал участникам фестиваля, как в 1960-х годах он пытался убедить советские власти разрешить показ  " Черного квадрата" Малевича. Они категорически отказали, и, по словам Боулта, на чисто русском языке пояснили: "вы, ребята, везете кучу  fuckng дряни!”.  Почему KГБ уделяло столько внимания абстрактному искусству? Почему ГБ в штатском спрашивали каждого студента Строгановского училища, как он относится к абстрактной живописи? Почему ЦРУ тратило на это деньги?  Потому что в период холодной войны абстрактные полотна стали новым видом идеологического  оружия.

На фестивале говорили о той Америке, которой больше нет, и, возможно, никогда не существовало. Об Америке в памяти бывших советских людей. Корни ее выросли из выставки "Америка" 1959 года, где американская мечта была впервые открыл для советских граждан как совокупность фантастических потребительских товаров и экспрессионизма. Никита Хрущев  не возражал, но американская соковыжималка раздражала кукурузника больше, чем Джексон  Поллок. Почему" американский рабочий сюда втискивает свой лимон? Какие буржуазные извращения!”, возмущался он.

А вообще что такое искусство? Как отличить настоящую вещь от подделки.  Как ни парадоксально, искусство тем и ценится, что это продукт кустарного труда. Постмодерн идет вместе с анахронизмом любви к живописному ремеслу старой Европы. В советские времена академические традиции насаждались студентам из поколения в поколение вместо истории искусства двадцатого века, которая была под жесткой цензурой.

 Вместе с тем западное искусство эксплуатировалось в рыночном обществе и только музеи современного искусства как институт поддерживали его. Российское/советское искусство было под государственным колпаком, что и определило  его историю. Другими словами, русское советское искусство существовало в анахроническом пространстве привилегий и угнетения при государственном покровительстве с одной стороны, и неофициальном княжестве Политбюро ЦК КПСС.

1960-е годы СССР – это погоня за туманом и за запахом тайги, потому  что туман был более приемлем, чем финансовые вознаграждения. Все хотели ехать в Сибирь или на Луну вместо того, чтобы  ехать за границу или выйти замуж за миллионера. И искусство звало к туману и луне, но не к деньгам. Так, по крайней мере, казалось.

На самом деле высокая рыночная стоимость современного искусства на Западе была определена отнюдь не художественными ценностями такового, а его способность сопротивляться рынку и ценностям традиционного искусства. Изначально оно стал искусством для музея, свободным от рынка искусством.

Художник существует на субсидии и гранты, на все те остатки социального государства, который существует в Западной Европе в большей степени, чем в России. Российско-американские художники в Америке выживают (как и западные), работая от проекта к проекту.

Художник-"акционист" 20 октября 1993. На фото Василий Шугалей, Анатолий Осмоловский, Александр Бренер, Олег Мавроматти. Акция «Позор 7 октября».   ART

Ну а вне проекта,  чем заняты они? Например,  художник  Бренер прославился тем, что изобразил доллар на полотне Малевича в зале, где никого не было. Бренер совершил свое осквернение, Малевич, возможно, перевернулся в гробу, но никто этого не видел и тогда Бренер сам вызвал охрану и объяснил, что сделал. Бренер  вовсе не хулиган, он –художник акции. Своим действием он пытался  доказать, что граница между российским и западным искусством стала расплываться. Это  "глокальный" феномен российско-западного культурного обмена. Когда он сотворил свой поступок, он был в Голландии и это дало ему денеи для жизни в Амстердаме. В этом он был уже "западный художник". Это контрафактный радикализм, который по-прежнему предполагает, что искусство, власть и деньги тесно связаны вместе в мифической западной культуре. Но это не совсем так. В то время как русский авангард хорошо продается на рынке искусства, " Черный квадрат " Малевича  представляет собой канонизированную икону только в экс-СССР.

C наиболее радикальной исповедью выступил на фестивале  художник Леонид Пинчевский. Он сказал, что пишет исключительно за деньги. Это тот художник, который расписывал потолки в отеле Венеция Лас Вегаса. Вы не найдете его подписи - он сказал, что он лишь ремесленник, а не творец. Это самый радикальный концептуальный жест, которой на который способен бывший российский художник.  А когда-то провинциальные мечты его советского еврейского детства  были полны сентиментальными китчами западных объектов его желаний. Художник выбрал между двумя своими альтер-эго: между  экс-советским неофициальным искусством и искусством успешного декоратора, работающего на заказ. Ни одного американского художника не беспокоит это.

Источник здесь , перепечатка здесь